Sitges 2018. Acontecimientos y visionados

Sitges es uno de los órganos vitales del cine fantástico y de género. En todas y cada una de sus calles se respira cine, y el amor por el séptimo arte va mucho más allá de las proyecciones. En este festival no solo se proyectan films (de prácticamente todas las nacionalidades) de nueva hornada, no, además, existe una labor de rescate que ofrece la oportunidad de disfrutar de cintas nunca vistas por estos lares. No olvidar la preciosa labor de Diego LF, responsable principal de Brigadoon, que está empeñado en dignificar y reforzar la memoria de los principales baluartes, perpetrando sensacionales documentales. En la última edición tuve la oportunidad de presentar en Brigadoon dos publicaciones de La Cabina de Nemo (el nº5 y 12 relatos a Medianoche), algo que, para mí, es todo un honor. 

Hubo momentos mágicos: asistir al concierto de Carpenter el día de mi cumpleaños, estrecharle la mano a M. Night Shyamalan, interactuar en la rueda de prensa de Ed Harris, y charlar con Peter Weir. Lo dicho, momentos irrepetibles. Ed Harris estuvo sensacional, mostrando con sencillez que valora tanto el cine clásico como el nuevo lenguaje de las series de televisión.

Peter Weir es un señor encantador

Tanto Peter Weir como Ed Harris fueron galardonados, el primero con un premio honorífico, el segundo con el máximo galardón otorgado por Sitges. Ambos tienen en común ser personas encantadoras que aman el cine, y que por supuesto, valoran a los fans que los han acompañado a lo largo de su carrera y progresión. La aportación de ambos en el género fantástico es muy particular, dejándonos títulos como El Show de Truman y una admiración común por un Jim Carrey tan talentoso como histriónico.

Hay muchas formas de ver una película, pero cuando lo haces en un festival, es simplemente magia. Disfrutar de un film estando bajo el mismo techo que el director y los actores, es algo que no tiene precio. Es por ello, que debemos tener en cuenta que no todas las películas pueden ser premiadas, pero dejemos claro que, todas son dignas de ver, ejercicios audiovisuales únicos. En un festival como el de Sitges se pueden disfrutar varias películas que jamás verán la luz en el circuito comercial, films excelentes que solo tendremos una oportunidad de poder disfrutar, y ojo, esta maravilla sucede cada día en este evento. Por otro lado, también disfrutaremos de excelentes films, que más tarde llegarán a salas, o que incluso podremos disfrutar en formato físico. Producciones triple A y filmaciones más modestas, conviven para gozo y disfrute de los visitantes. 

Los premios son algo particular. Las personas que crean cine cambian, se adaptan, evolucionan en el lenguaje audiovisual. Los jurados, tanto oficiales como populares, tienen corazón propio, poseen su propia experiencia vital, lo que finalmente hace que sus decisiones puedan ser tan maravillosas como sorprendentes. En la edición 2018, las cintas ganadoras son particulares, surrealistas en su mayoría, geniales, claustrofóbicas, auténticas joyas experimentales. Ninguna te dejará indiferente. Acto seguido, plasmaré el palmarés, e inmediatamente después comentaré alguno de estos films. 

Secció Oficial Fantàstic Sitges 51
Mejor película: CLIMAX, de Gaspar Noé
Premio especial del jurado: LAZZARO FELICE, d’Alice Rohrwacher
Mención especial del jurado: L’HEURE DE LA SORTIE, de Sébastien Marnier
Mejor dirección: Panos Cosmatos, per MANDY
Mejor interpretación femenina (patrocinado por Mistinguett): Andrea Riseborough, per NANCY
Mejor interpretación masculina: Hasan Ma’jun, per PIG
Mejor guion (patrocinado por CaixaBank/ Obra Social ‘la Caixa’): Quentin Dupieux, per AU POSTE!
Mejores efectos especiales (patrocinado por Slate): Atsushi Doi, per INUYASHIKI
Mejor fotografía: Panjar Kumar, per TUMBBAD
Mejor música: Chu Ishikawa, per KILLING
Gran premi del públic (patrocinado por La Vanguardia): UPGRADE (ILIMITADO)
Premio del Público Panorama Fantàstic: MONSTRUM
Premio del Público Sitges Documenta: GOODBYE RINGO
Mejor cortometraje (patrocinado por Fotogramas): POST MORTEM MARY, de Joshua Long
Noves Visions
Mejor película Noves Visions : DESENTERRANDO SAD HILL, de Guillermo de Oliveira
Mejor director: Philip Groning, per  MY BROTHER’S NAME IS ROBERT AND HE IS AND IDIOT
Mejor cortometraje Noves Visions Petit Format: DEER BOY, de Katarzyna Gondek
Mención especial: DOMESTIK, d’Adam Sedlák
Mención especial a la mejor actriz: Jessie Buckley, per BEAST
Mención especial: CHERNOBYL, 1986, de Toni Comas
Blood Window
Mejor película: MUERE, MONSTRUO, MUERE, d’Alejandro Fadel
Méliès
Méliès de Plata mejor película: FUGUE, d’Agnieszka Smoczynska
Méliès de Plata al mejor cortometraje: THE DEATH OF DON QUIXOTE, de Miguel Faus
Focus Àsia
TUMBBAD, de Rahi Anil Barve, Anand Gandhi Lee An-kyu
Mención especial: MAY THE DEVIL TAKE YOU, de Timo Tjahjanto
Anima’t
Mejor película m: MIRAI, de Mamoru Hosoda
Mención especial largo de aminación: TITO E OS PÁSSAROS, de Gustavo Steimberg, Gabriel Bitar, André Catoto
Mejor cortometraje: THE WHEEL TURNS, de Sang Joon Kim
Mención especial corto de animación : UNTRAVEL, d’Ana Nedljkovi, Nikola Majdak Jr.
Órbita
Mejor película : AMERICAN ANIMALS, de Bart Layton
Mención especial: FLEUVE NOIR, d’Erick Zonca
Fantàstic Discovery
Mejor película: MAQUIA: WHEN THE PROMISED FLOWER BLOOMS, de Mari Okada
Midnight X-Treme
Mejor película: MAY THE DEVIL TAKE YOU, de Timo Tjahjanto
Premi Brigadoon Paul Naschy
BAGHEAD, d’Alberto Corredor
Jurat de la crítica
Premio de la crítica Josep Lluis Guarner: LAZZARO FELICE, d’Alice Rohrwacher
Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel: DOMESTIK, d’Adam Sedlák
Mención especial: UNDER THE SILVER LAKE, de David Robert Mitchel
Slatix Sitges Cocoon
Millor pel·lícula en realitat virtual (patrocinado por Slatix): DEERBROOK, de Grayson Moore, Aidan Shipley, John Riera, Connor Illsley
Premis SGAE Nova Autoria
Mejor dirección: JAURÍA, de Gemma Blasco
Mejor guion: Aleix Abulí, per CIUTAT I SELVA
Mejor música original: Natasha Arizu, per DOT
Jurat Carnet Jove
Mejor película: LAZZARO FELICE, d’Alice Rohrwacher

Climax

Gaspar Noé es un director muy pero que muy “europeo”, 100% atrevido y experimental. Se jacta desde el principio de realizar un film francés, que te permite como espectador evaluar todo aquello que sucede entre cuatro paredes, hasta que te deja claro que te será una tarea del todo imposible, a causa del descontrol de los personajes. Basándose en hechos acontecidos es un paisaje nevado de la Francia de 1996, nos narra como una compañía de baile que está concentrada en un edificio abandonado, acaba teniendo “un mal viaje” colectivo por culpa de una cantidad ingente de LSD que ha ido a parar al ponche de frutas. 

Elementos tan primarios como la sexualidad (cosa que transmiten a la perfección todos los actores y actrices del reparto), la desesperación, y la violencia, se acaban desbocando, generando caos puro. Gracias a un excelente montaje y un sensacional manejo de cámara, la planificación es claustrofóbica, llevándonos al límite. El reparto ha sabido expresar dolor y el descenso a la locura en cantidades industriales, mostrándolo como una forma más de danza. 

El film va muy despacio, gestando el desastre poco a poco, obteniendo un resultado sobresaliente. La violencia, tanto física como psíquica, llega sin aviso para quedarse. La amarás, te inquietará, no podrás olvidarla. En mi opinión, nos encontramos ante el mejor film del director. Indispensable. 

Mandy

Una puñetera obra maestra. Así del tirón. Panos Cosmatos es uno de los responsables directos de la resurrección de Nicolas Cage. Si bien en 2017, Cage dio un puñetazo en la mesa con su sensacional papel en Mom and Dad (dirigida por Brian Taylor), en esta ocasión, por mediación de la gracia de Cosmatos, ha demostrado que ha vuelto para quedarse, y que el cine de género se ha convertido en su hábitat natural. 

Mandy es una historia de venganza psicotrópica. Imaginaos la película The Crow con abuso de estupefacientes. Cage encarna a Red Miller, un leñador que debe vengar a su amada, Mandy Blomm, caída en las garras de una secta cristiana psicópata recalcitrante. Los propios personajes son conscientes que los sucesos y simbología sobrenatural que aparecen en la trama (Cenobitas incluidos) son fruto del abuso de las drogas, incluso se lo indican sin remilgos al espectador. La magnificación de acontecimientos, por medio del abuso del leguaje de colores y de una soberbia fotografía, hacen las delicias de la sala, sin olvidar las brillantes y esperpénticas actuaciones del reparto. Con una banda sonora de 10, el guion nos sumergirá en la más deliciosa de las locuras. Demencia absoluta, una obra maestra. La inclusión de breves piezas de animación en el montaje fascina y descolocan. La amarás o la odiarás, pero te confieso sin remilgos, que yo, la amo profundamente. 

Lords of Chaos

En los años 90, un movimiento nacido en los sótanos de las tiendas de discos más oscuras de Noruega desembocó en una serie de acontecimientos inesperados. Apuñalamientos, quema de iglesias, suicidios, y violencia casual, fueron algunos de los factores que orbitaban el movimiento del Black Metal, pero no debemos olvidar su riqueza y aportación al cuarto arte. 

El clima extremo, La tristeza, o incluso la depresión, no impidieron la existencia de una juventud contestataria empeñada en ir contra el sistema, llegando al punto de autodestruirse con tal de impartir su mensaje de odio contra la sociedad establecida. Con el paso del tiempo, comprendemos que dicho mensaje caló en la subcultura musical más libre y menos acomplejada, dejando clara la premisa de que la rabia y la tristeza podrían ser las herramientas creativas de una generación con tendencia contracultural, claramente diferenciada con respecto a la de los años 60 y 70, sin importar el marco geográfico en el que sucediese.  

Años después, Jonas Äkerlund ha sabido adaptar de forma impecable el ensayo homónimo que narraba los macabros acontecimientos de la Noruega de los años 90. Tengamos en cuenta que el leguaje audiovisual es diferente al literario, por lo que aparte de captar la esencia de contenidos, Jonas, como director se ha tomado ciertas licencias que han dejado ojiplática a la crítica. A pesar de la dureza de los hechos, la narrativa tiene momentos en los que está construida en clave de comedia, por lo que a pesar de las brutalidades que aparecen en pantalla, la forma en que lo asumen los personajes y cómo nos lo cuentan, nos arranca una carcajada. 

Conoceremos Euronymus, el líder de Mayhem, y sus motivaciones, pero sobre todo a Dead, su vocalista, alguien obsesionado con la muerte, un extremista que respiraba en bolsas de papel que contenían pequeños animales en proceso de descomposición. El temprano suicidio de Dead conmocionó a muchos (se voló los sesos tras intentar cortarse las venas sin éxito), pero que la imagen de la escena fuese inmortalizada por una foto que hizo Euronymus, para acto seguido ser la portada de su último disco, fue una acción que estremeció al mundo entero. Dicho LP se vendía de forma clandestina en las salas de conciertos más “particulares”. 

La herencia vikinga, el clima extremo, la obsesión por el fuego purificador, y la destrucción como un medio de creación, han sido perfectamente recreados en el film, que, por si fuera poco, también el equipo de rodaje fue asesorado por algunos supervivientes de aquella oscura época. Otra película imprescindible, que tuve el honor de ver en el auditorio de Sitges junto a Alex de la Iglesia. Parte de la magia de los festivales, es que puedes ver una película compartiendo sala con grandes creativos que llevas siguiendo toda tu vida.

El hombre que mató a Hitler y después al Bigfoot

La opera prima de Robert D. Krzykowski fue una de las grandes sorpresas del festival. Sam Elliot es un actor/productor que me encanta, a lo largo de su extensa carrera ha encarnado secundarios muy importantes y trascedentes (como por ejemplo su mítico papel del Cowboy que rompe la cuarta pared en El Gran Lebowski), e incluso papeles protagonistas, tanto en superproducciones palomiteras como es proyectos indies, pasando por el cine de musculo y mamporro noventero. En esta ocasión encarna a Calvin Barr, el super agente definitivo, que, a pesar de su edad, se encuentra en plenas facultades. El director hace un uso más que correcto del flashback la elipsis temporal, para contarnos como Calvin se infiltra en el núcleo duro de las SS para eliminar al mismísimo Hitler, para acto seguido volver al presente, 1987 concretamente, mostrándonos el nuevo desafío al que nuestro protagonista debe enfrentarse. 

El Bigfoot se ha tornado como la criatura más peligrosa del bosque, un ser que ha decidido dejar de ser un mito para el mundo, transformándose en un asesino en serie sin ningún patrón racional. Dejemos claro que la mítica criatura no es el principal leitmotiv de nuestro super hombre, son sus recuerdos y todo lo que tuvo que perder a lo largo de su vida. 

Con un montaje exquisito y una excelente fotografía, el director nos ha hecho un sensacional regalo, y Sam Elliot ha clavado una de sus mejores actuaciones.

Throw Down

Una de las grandes joyitas ocultas de Johnie To. Esta maravilla, rodada en 2004, gracias al festival de Sitges pudimos verla en 2018. Es un film producido por Milkyway Image, por lo que sus elementos inspirados en el comic asiático costumbrista son obvios. El film, un proyecto muy personal de To, fue un regalo que decidió dedicarle póstumamente al Maestro Akira Kurosawa, cogiendo prestados ciertos elementos de la esencia de La leyenda del gran Judo (1943), una de las cintas más valoradas del encumbrado cineasta nipón, de hecho, su ópera prima.

 El film nos cuenta la historia de Tony (Aaron Kwok), un Judoca alcohólico y ludópata, caído en desgracia, que tras perder su espacio en la escuela que se desarrolló no cesa de tocar fondo. El detonante es la llegada de un nuevo luchador a la ciudad, alguien que lo confunde con el Tony del pasado, un luchador honorable e imbatible, cosa que lo empuja a retarlo. Los personajes que orbitan alrededor de la historia están perfectamente construidos. Cherrie Ying, una actriz muy conocida en Asia por sus importantes papeles en el cine de autor y de artes marciales, encarna a una chica que simboliza la esperanza y la resistencia a la hora de perder la inocencia en un mundo hostil. 

Con localizaciones sencillas pero majestuosas gracias al tratamiento audiovisual, Johnie To nos engancha desde el minuto cero, con una trama cargada de desafíos, autosuperación, mafiosos, ludopatía, y combates, muchos combates perfectamente coreografiados. La premisa del film es obvia: No perdamos la esperanza, hay que creer en las segundas oportunidades, incluso en las terceras. Una obra maestra.

SUPERLÓPEZ

Yo suelo residir en Dos Hermanas, un pueblo/miniciudad ubicado muy cerquita de Sevilla. Hace muchos años, allí mismo, en un espacio llamado Grumun Club, conocí a un monologuista divertido y carismático que actúo para una sala que no daba crédito ante tanto talento y desparpajo. Su nombre era Dani Rovira. 

Tras el éxito cosechado con 8 apellidos vascos, Dani ha seguido participando en diversas comedias, pero esta vez ha sido algo diferente, y muy mítico en mi opinión. Encarnar a SUPERLÓPEZ, una versión ibérica del hijo de Krypton, no es cualquier cosa, y era un proyecto que debía caer en las mejores manos.

Javier Ruíz Caldera ya contaba con la experiencia de haber adaptado (muy bien, por cierto) a Anacleto agente secreto, tomándose las licencias oportunas, pero sabiendo captar la esencia de la criaturita de Vázquez. Una vez demostrado que sabía dirigir fantasía, comedia, y adaptar a la pantalla el noveno arte, le había llegado la hora de llevar a la gran pantalla la mayor creación de Jan. 

Javier ha sabido dirigir a un reparto dividido entre nuevas estrellas de la comedia, y actores sobradamente consolidados, vaya, que ha contado con toneladas de talento en escena. Los guionistas, han sabido adaptar correctamente el origen de Juan López, integrando con solvencia distintos extractos de varios arcos argumentales. La crítica social, a lo largo del metraje, es constante y candente, eso sí, con la idea de que debemos aprender a reírnos de todo y tomarnos la vida con valor y filosofía, aceptando quienes somos. 

Estuve en la rueda de prensa y el preestreno, con todo el equipo creativo. Fue una experiencia maravillosa y desternillante. Julián López se apoderó de la rueda de prensa, montando una paranoia conspiranoica en la que acusaba a los pelirroj@s de intentar conquistar el mundo. 

Para mí fue un preestreno especial, allí pude conversar con Dani y recordar los viejos tiempos, amén de conocer a primo Julián. En la actualidad Jan está inmerso en varios proyectos, entre ellos, está siendo uno de los ilustradores, autores, y portadistas, de la editorial independiente Matraca.

UPGRADE

Grandes visionarios de la literatura, como Asimov nos avisaron de la compleja relación entre el ser humano y la inteligencia artificial, mientras que otros, como Philip K. Dick, nos mostraron los peligros de la distopía y la perdida de identidad en una sociedad tecnocratizada en exceso. Leigh Whannell, su director, se ha pasado directamente del terror carnal y sobrenatural, a la ciencia ficción más reivindicativa y nostálgica. 

Logan Marshall-Green, un actor carismático y solvente (ya lo viste en Spiderman Homecoming, o en La Trampa del mal), encarna a un hombre que, tras sufrir un asalto supuestamente casual, pierde a su mujer en manos de unos asesinos, y el queda postrado en una silla de ruedas. Justo aquí, cuando parece que la ciencia ficción solo se percibe por medio de vehículos que se tripulan solos, nuestro protagonista se somete a una milagrosa operación que consigue que vuelva a recuperar al 100% sus capacidades motoras, pero claro, deberá compartir su cuerpo con una inteligencia artificial que tiene sus propios planes, pero que lo invita a urdir un plan de venganza contra aquellos que mataron a su mujer. 

La película está cargada de acción, narrada con maestría, usando el suspense como la principal herramienta. Se nos plantea un futuro cercano, tal vez demasiado, donde las personas se han sometido a las nuevas tecnologías creando una dependencia absoluta. Lo único que queda de la vieja raza humana, es la ambición y la crueldad, elementos constantemente presentes a lo largo del metraje. Un sorpresón, y sin duda el mejor film de Logan.

Fonotune: An electric fairytale

Es una producción experimental japonesa, que homenajea los sonidos más experimentales en un entorno postapocalíptico. Una rareza que me encandiló, que dura poco más de una hora, con diálogos extraños que nos dan información concreta de los personajes, que en ciertas ocasiones rompen la cuarta pared para comunicarse con los espectadores (llegan a escribir mensajes directamente en la pantalla). La simbología cinematográfica y musical, con clara estética de videoclip, tan underground como vanguardista, da resultados espectaculares, llegando a plantearnos si realmente estamos contemplando un vídeo musical de larga duración. 

La música, en ocasiones diegética, no para de sorprender, especialmente en una ocasión, cuando ofrecen un concierto callejero (mirando al espectador a los ojos) con instrumentos eléctricos sin estar enchufados a sus correspondientes amplificadores. Al cabo de un minuto, en cuanto te acostumbras a tan extraña propuesta, te entusiasmas y emocionas. 

Tras el visionado pude conocer y saludar al reparto. Aquel grupo de japoneses, eran personas muy educadas, que no se esperaban el éxito que se produjo en la sala de El Retiro, llegando a sentirse abrumados por tantos abrazos y selfies. 

Lazzaro Feliz

Esta película arrasó en el festival de Sitges, y lo hará donde quiera que vaya. Su fórmula, basándose en el realismo mágico de Márquez, con claras reminiscencias al Plácidode Berlanga, ha calado en los corazones de jurado y público. Alice Rohrwacher ha hecho un trabajo impecable.

Lazzaro es un chico de bondad extrema, que, junto a una esperpéntica comunidad, vive en La Inviolata, una aldea que quedó apartada de la humanidad a raíz de unas inundaciones acontecidas en los años 70. Todos los miembros de esa comunidad no son conscientes de que viven el pleno siglo XXI, y son explotados por una supuesta Marquesa, cuyo negocio es la plantación y venta de tabaco ilegal. Un día todo cambia, su dura realidad se quiebra, y nos damos cuenta de que el refrán “mismo perro, pero con otro collar” tiene mucho sentido. 

El film está claramente dividido en dos partes: la primera hace uso de los recursos propios del mencionado realismo mágico, con una diégesis concreta que los personajes simplemente aceptan con ingenua resignación (es tan sencillo como que nadie puede salir de la aldea porque se hunden en el lago o son devorados por los lobos). La segunda sí tiene notables elementos de fantasía y ficción, con reminiscencias del neorrealismo italiano, y del surrealismo propio de Berlanga. El hombre es un lobo para el hombre, y en este mundo ha habido ni habrá caridad… 

La noche de Halloween

Pues uno de los eventos que pude disfrutar el mismo día de mi cumpleaños fue entrevistar a Mick Garris y asistir al concierto en vivo y en directo de John Carpenter (cortesía de mis grandes amigos sevillanos Fran, Inés, y Luís). Escuchar sus piezas, que asocio de sobra a las bandas sonoras de sus films, es una experiencia única. Fue todo un triunfo para el festival traer al que muchos consideran el más grande. 

Durante esa misma semana, tuve la oportunidad de ver La noche de Halloween, dirigida por David Gordon Green, protagonizada por una endurecida Jamie Lee Curtis (también hizo labores de producción), y con banda sonora del mismísimo Carpenter. 

El director nos hace una oferta extraña. No es un remake de la original, para nada, se trata de una continuación del film original de 1978, como si todas las precuelas y secuelas oficiales que conocemos no existiesen. Michael Myers, según la diégesis de este film, ha estado aletargado 40 años en un psiquiátrico, esperando a que llegue su momento, pero ojo, Laurie Strode, que ha pagado un alto precio a causa de los traumas sufridos aquella sanguinaria noche, sabe que ese día va a llegar y no piensa estar cruzada de brazos. Es importante indicar la evolución de la mítica máscara, ya que empieza a funcionar por separado, como un ente aparte, de hecho, es un personaje más. 

Una visión interesante de la mitología del universo Halloween, con un registro de la señora Curtis digno de la mismísima Sarah Connor. Bien dirigida, con mucha violencia física (como debe ser en tales ocasiones), gritos teenager, fracturas imposibles, y una gran banda sonora. 

Desenterrando Sad Hill

Es sin duda uno de los documentales más emotivos y entrañables que he visto jamás. Que un grupo de amigos hagan eco de uno de los lugares más míticos de la historia del cine, un punto de referencia del Spaghetti Western, con la idea de rescatarlo para el disfrute colectivo, me parece un exquisito gesto de sensibilidad y generosidad. Guillermo de  Oliveira supo registrar y ordenar aquellos apasionantes sucesos, perpetrados por un singular grupo de amigos cinéfilos. 

El documental es un diario que nos explica los entresijos de aquellos acontecimientos, desde la gestación de la milagrosa idea, hasta la conclusión y contexto de esta. A lo largo del metraje, se hacen pequeñas paradas para explicar un poco acerca de la figura de Leone, su aportación, y muchas y valiosas anécdotas del rodaje de “El Bueno, el Feo y el Malo”.

Rescatar ese cementerio, con todo aquel esfuerzo, ha simbolizado el amor de unos niños que crecieron para poder devolverle a Sergio Leone todo aquello que hizo por ellos. Obra maestra.

Assassination Nation (Nación Salvaje)

Con un reparto de rostros relativamente recientes y el talento arrollador de Colman Domingo, Sam Levinson ha desarrollado un trabajo magnífico, una cinta que describe a la perfección el papel de un Hacker en una sociedad tecnocratizada y absolutamente dependiente de las redes y los idolatrados “LIkes”.

 

En el mismo marco de Salem, se reproduce una nueva ola de caza de brujas, acosando principalmente a la figura de la mujer. Por medio de la revelación de datos y secretos de varios de los habitantes del municipio, da inicio una ola de acoso, violencia, y fanatismo. La violencia se expresa en cada plano, tanto de forma física como emocional. 

Con una narrativa particular, un montaje incisivo, y un código de colores angustioso, el director hace que nos ubiquemos en la piel de las víctimas del acoso, algo que hoy en día se vive continuamente. Tal y como muestra el film, el común denominador de los seres humanos, no se para a pensar en la importancia de respetar la privacidad ajena, no se molesta en cuestionar o dudar de la veracidad de rumores y chismes, y por supuesto, no invierte en asertividad. 

En definitiva, soy de la opinión de que Nación Salvaje es una película de visionado obligatorio en centros educativos, que deja claro que nadie debe adquirir o aceptar el rol impuesto de víctima. Sensacional y necesaria premisa. 

70 BinLadens

Koldo Serra es un genio, un director que me encanta, un señor tan virtuoso como desenfadado. Ha sabido captar el lenguaje de las series y el show televisivo, no olvidar su constante surrealista aportación a los mejores capítulos de Muchachada Nui, pero esta vez ha perpetrado algo que va más allá de la pequeña pantalla, un thriller que bebe de Tarde de Perros, sí, pero con su propia identidad, y con un reparto de absoluto lujo. 

El 90% del film transcurre en el interior de una sucursal bancaria, a lo largo de un atraco a mano armada, que como es necesario para la historia, se acaba complicando notablemente. Raquel (encarnada por Emma Suarez) es una persona sumamente manipuladora, con un cometido tan difícil como es conseguir la friolera de 35.000 euros en 24 horas (llamados 70 Binladens en el argot callejero, debido a lo complicado que es verlos o “echarles el guante”), pero debe lidiar con dos atracadores peligrosos y con un grupo de personas retenidas, que empieza a saturase y a dar problemas. 

Los atracadores, Lola y Jonan, encarnados por unos épicos Hugo silva y Nathalie Poza, son un dúo amoroso de delincuentes politoxicómanos y sumamente peligrosos, especialmente ella, una hembra alfa cargada de antecedentes y delitos de sangre. En el exterior, se produce toda una crítica social, fruto de la interactuación de Eva y Carlos, dos policías jóvenes que deben lidiar con una situación que se puede ir de las manos, especialmente Eva (Bárbara Goenaga), ya que es una mujer policía rodeada de agentes con mentalidad obsoleta y misógina. 

La situación se irá complicando en una partida de ajedrez simbólica entre Blanca y Lola, dos mujeres tan fuertes como desesperadas, que tienen algo en común: La necesidad de huir de una situación límite, pero claro, como decían en el Un, Dos, Tres: Hasta aquí puede leer, ya que no quiero estropearte la oportunidad de descubrir y disfrutar de tan notable producción

Tuve la maravillosa oportunidad de ver 70 Binladens en el auditorio del Meliá, y gracias a dios la aproveché. A la salida me tomé un café con Koldo, Hugo, y Nathalie, quienes me preguntaron mi opinión acerca del film y su montaje definitivo. Les dije que disfrute muchísimo, especialmente con su difícil actuación, ya que ambos actores son personas sumamente entrañables y han sabido encarnar a la perfección unos papeles tan duros y radicales. Le dije a Koldo que había disfrutado y sufrido muchísimo con su película, y que había conseguido coordinar a la perfección todos los oficios cinematográficos. 

Overlord

Película que me incitó a revisar Salvar al soldado Ryan y 28 días después, ya que Overlord, de Julius Avery, es el resultado de la unión desenfadada entre ambas.

Un grupo de soldados, carismáticos y muy reconocibles, salta en paracaídas sobre la línea enemiga, justo 24 horas antes del archiconocido Día D, y como era de esperar en un buen detonante, todo se tuerce. El pequeño grupo de soldados supervivientes al salto debe cumplir una misión suicida a pesar de su situación de inferioridad táctica, pero cuentan con el factor sorpresa, y una notable experiencia en combate cortesía del Cabo Ford. En cuanto entran en contacto con los aldeanos subyugados y la resistencia, descubren que hay algo sobrenatural en el ambiente, algo provocado por los experimentos que se llevan a cabo en una torre controlada por los Nazis.  

La acción en el film es trepidante, no nos deja respirar un solo segundo, y la historia se acoge al modo “Juego de Tronos”, es decir, que no le cojas cariño a los personajes, y que por supuesto, no le pongas el cartel de protagonista a ciertos actores, ya que los planos y estructura de guion tienen la intención de engañarte para que sufras un poco. Una película de Zombis atípica, impactante, que bebe de diversos videojuegos que anteriormente ofertaron una propuesta parecida. 

Tuve la suerte de conocer y estrecharle la mano a Wyatt Rusell (Cabo Ford), un señor muy pero que muy agradable, que se come la pantalla debido a su físico y carisma. Wyatt es el hijo de Kurt Rusell y Goldie Hawn, ergo no tenía más opción que actuar, algo que se le da muy bien, especialmente en el terror y el Thriller. 

Como broche de oro al preestreno de Overlord, allí mismo, en aquella grandiosa sala, se le hizo entrega del galardón honorífico a Peter Weir, en una ceremonía sencilla pero impactante. Un momento mágico.

Recuerdos  

Caminar por las zonas que comprenden el festival se convierte en un recuerdo icónico tras otros. Allí pude conocer en persona a muchos amigos de la red social, que aman el cine de género, y compartimos momentos entrañables. Mi gran amigo Santi Serrano Sedano, ya todo un veterano, fue mi guía en la visita. 

Es para mí muy importante darle las gracias al equipo de comunicación y prensa de Sitges, por lo bien que me trataron, por todo aquello que ofrecieron, y por su magnífica tarea. Es muy complicado manejar un proyecto tan titánico como este festival, pero ell@s lo hicieron con absoluta solvencia. Debido a su generosidad, puede conseguir participar en eventos y elaborar las entrevistas a tantos titanes del séptimo arte que vosotr@s podéis leer/disfrutar. Matrícula de honor. Y sí, Carlos Pumares me desveló todos los secretos del Monolito...